RHINOSHIELD X THE MET

Das Met Museum präsentiert über 5.000 Jahre Kunst aus aller Welt – für alle zum Erleben und Genießen. Seit seiner Gründung im Jahr 1870 verfolgt das Met den Anspruch, mehr zu sein als nur ein Schatzhaus seltener und schöner Objekte. Tag für Tag erwacht die Kunst in den Galerien des Museums sowie durch Ausstellungen und Veranstaltungen zum Leben – und eröffnet dabei neue Perspektiven und überraschende Verbindungen über Zeiten und Kulturen hinweg.

Cross malte in dem neoimpressionistischen Stil, der vor allem zwischen 1886 und 1906 in Frankreich verbreitet war. Er übernahm die Technik, einzelne Farbtupfer (sogenannte tâches) in seinen lichtdurchfluteten Bildern aufzutragen. Im Laufe seiner künstlerischen Entwicklung – insbesondere als er zur Aquarellmalerei überging – wurden seine Pinselstriche lockerer und die Farben weicher.

Diese atemberaubende Komposition hat sich ihren Ruf als Ikone der Weltkunst verdient. Hokusai spielte geschickt mit der Perspektive, um Japans höchsten Berg als kleines, dreieckiges Hügelchen in der Aushöhlung der gewaltigen Welle erscheinen zu lassen. Der Künstler wurde berühmt für seine Landschaften, die er mit einer Palette aus Indigo und importiertem Preußischblau schuf.

Hiroshige, einer der bedeutendsten Landschaftsmaler Japans, entwarf zwei äußerst populäre Serien – darunter die 100 berühmten Ansichten von Edo, zu der dieses Bild gehört.

Beamte der Ming- und Qing-Dynastie Chinas trugen quadratische Abzeichen, die vorn auf ihre Roben genäht wurden. Zivilbeamte erhielten Abzeichen mit Vögeln, Militärbeamte solche mit Tieren – jedes Tier entsprach einem bestimmten Rang. Der Tiger – Symbol für Autorität und Tapferkeit – zierte das Abzeichen eines Oberbefehlshabers in der Ming-Zeit sowie eines Regimentsvizekommandeurs in der Qing-Dynastie.

Dieser dynamische Drache windet sich über einen goldenen Hintergrund. Das bräunlich-grüne Garn für Körper und Kopf besteht aus Pfauenfedern.

Westliche Formen wurden von der Niederländischen Ostindien-Kompanie in Auftrag gegeben. Japanische Kunsthandwerker erhielten hölzerne Modelle, europäische Originale oder Zeichnungen als Vorlagen. Hier wurde der japanische Kakiemon-Stil wirkungsvoll auf eine westliche Form übertragen.

Anfang der 1890er Jahre wurde Renoir von der französischen Regierung eingeladen, ein Gemälde für das neue Musée du Luxembourg in Paris anzufertigen, das lebenden Künstlern gewidmet war. Er wählte zwei Mädchen am Klavier als Motiv. In dem Wissen, dass das Werk genau unter die Lupe genommen würde, widmete Renoir diesem Projekt außergewöhnliche Sorgfalt und entwickelte die Komposition in fünf Versionen auf Leinwand.

Degas schuf diese ambitionierte Figurenkomposition 1874. Die Ballettklasse zeigt etwa 24 Frauen – Ballerinas und ihre Mütter –, während eine Tänzerin eine Pose für den Ballettmeister Jules Perrot vorführt. Degas bereitete sich auf das Gemälde mit zahlreichen Zeichnungen vor, die er in seinem Atelier mit Modellen anfertigte.

Während seines Aufenthalts in der Heilanstalt von Saint-Rémy war van Gogh fasziniert von Zypressen. Dieses lebendige Gemälde gehört zu seinen ausdrucksstärksten Darstellungen der hoch aufragenden Bäume. Der sonst selbstkritische Künstler betrachtete es als eine seiner „besten“ Sommerlandschaften.

Dieses berühmte Gemälde – einst im persönlichen Besitz des impressionistischen Malers und leidenschaftlichen Gärtners Claude Monet – gilt als eines der besten Stillleben Cézannes aus den 1890er Jahren. Es war ungewöhnlich für ihn, blühende Pflanzen darzustellen, da sie während seines langsamen Malprozesses leicht verwelkten.

Komposition ist ein frühes Beispiel für den geometrischen Malstil, den Mondrian als Neoplastizismus bezeichnete. Für ihn war Neoplastizismus ein universeller Stil, da sich das Prinzip flächiger Beziehungen auch auf Design und Architektur übertragen ließ.

Dies ist Seurats letzte Studie für sein monumentales Gemälde von Erholung suchenden Parisern an der Seine. Kontrastierende Pigmente wurden in kurzen, fleckigen Pinselstrichen miteinander verwoben. Im großformatigen Gemälde – das 1886 auf der Impressionistenausstellung Premiere feierte – nutzte Seurat hingegen eng gesetzte, punktartige Tupfer, eine Technik, die später als Pointillismus bekannt wurde (vom französischen point, „Punkt“). Seurat selbst bevorzugte den Begriff Divisionismus – das Prinzip, Farben in kleine, nebeneinander gesetzte Farbtupfer zu trennen, die sich im Auge des Betrachters mischen sollen.

Als leidenschaftlicher Gärtner arbeitete Monet jahrelang an seinem malerischen Seerosengarten in Giverny – und hielt ihn in beliebten Gemälden wie Brücke über einen Teich mit Seerosen (1899) fest. Dieses stimmungsvolle Werk ist eines von rund einem Dutzend Gemälden des Holzstegs über den Teich, die der Impressionist im Sommer 1899 schuf.

Monet verbrachte den Sommer 1867 mit seiner Familie in Sainte-Adresse, einem Badeort nahe Le Havre. Dort malte er diese heitere, sonnenbeschienene Szene zeitgenössischer Freizeitgestaltung und ließ seinen Vater (im Panama-Hut) sowie weitere Verwandte Modell stehen. Durch die erhöhte Perspektive und die Aufteilung von Terrasse, Meer und Himmel in drei farbintensive Streifen betonte Monet die flache Bildfläche – eine damals gewagte Herangehensweise, die seine Bewunderung für japanische Drucke widerspiegelt.

Das Logo des Met ist eine eigens entworfene Zeichnung, die Serifen- und serifenlose, klassische und moderne Schriftformen verbindet. Es wirkt fließend, lyrisch und einzigartig – wie eine handgeschriebene Signatur. Als Symbol für 5.000 Jahre weltweiter Kultur schlägt diese elegante Wortmarke eine Brücke zwischen Vergangenheit und Zukunft.